Maxim Ksuta

russian artist, contemporary art, sculpture, installation, photography

Category: Exhibitions

Biennale of Ecological Art, “The Skin of the Earth”, Nizhny Novgorod

Максим Ксута, full HD видео-инсталляция

Этот проект — чистое художественное выражение в том смысле, что моё вмешательство в процесс было минимальным. В данном случае художник — как автор — лишь стал свидетелем странного и редкого природного явления: причудливого танца тысяч крошечных мотыльков в световом поле уличного фонаря.

Я установил камеру, чтобы запечатлеть сцену в течение определённого периода времени с определённым интервалом между кадрами. Результатом этой экспериментальной съёмки стало около 1200 фотографий, поразительно напоминающих необычные каллиграфические техники с элементами криптографии.

Чтобы отразить динамическую природу этого явления, я решил создать видео на основе этого материала, которое теперь представляю вашему вниманию.

Учёные уже давно пытаются понять, почему так много ночных мотыльков неудержимо тянет к свету. И по сей день нет окончательного ответа. Исследователи наблюдали, что чем ярче источник света, тем сильнее он привлекает насекомых.

Например, если в тёмной местности — скажем, в поле, на лесной поляне или в саду на даче — установить две лампочки: одну мощностью 250 ватт, а другую 1000 ватт, больше мотыльков соберётся вокруг более яркой, 1000-ваттной лампы. Интересно, что видовой состав мотыльков, похоже, не влияет на это поведение.

Но почему мотыльки начинают быстро кружиться вокруг горящей лампы, приближаясь к ней? Оказывается, что во время полёта эти насекомые ориентируются, удерживая источник света под постоянным углом — в частности, они пытаются поддерживать световой луч перпендикулярно оси своего тела. Поскольку искусственные источники света являются точечными, их лучи распространяются радиально. Когда мотыльки приближаются к такому свету, они пытаются держать себя перпендикулярно лучам, которые расположены по кругу — и мы, в свою очередь, очарованы их стремительным спиральным танцем вокруг светящихся фонарей.


Maxim Ksuta, Full HD Video Installation

This project is a pure artistic expression, in the sense that my intervention in the process was minimal. In this case, the artist—as the author—merely witnessed a strange and rare natural phenomenon: the bizarre dance of thousands of tiny moths within the light field of a streetlamp.

I set up the camera to capture the scene over a certain period of time with a specific interval between shots. The result of this experimental recording was around 1,200 photographs that strikingly resemble unusual calligraphic techniques, with elements of cryptography.

To reflect the dynamic nature of this phenomenon, I decided to create a video based on this footage, which I now present to your attention.

Scientists have long been trying to understand why so many nocturnal moths are irresistibly drawn to light. And to this day, there is no definitive answer. Researchers have observed that the brighter the light source, the more strongly it attracts insects.

For instance, if two lightbulbs are set up in a dark area—say, in a field, a forest clearing, or a garden at a summer cottage—one with 250 watts and the other with 1,000 watts, more moths will gather around the brighter, 1,000-watt bulb. Interestingly, the species composition of the moths doesn’t seem to influence this behavior.

But why do moths begin to circle rapidly around a lit lamp as they approach it? It turns out that during flight, these insects navigate by keeping a light source at a constant angle—specifically, they try to maintain the light beam perpendicular to the axis of their bodies. Since artificial lights are point sources, their rays spread out radially. As moths approach such a light, they attempt to keep themselves perpendicular to the rays, which are arranged in a circular pattern—and we, in turn, are captivated by their swift, spiraling dance around glowing lanterns.

New group exhibition – “Horizon – The Color Blue”

Photo – Elena Rubinina

New Exhibition at Wynwood Hotel

Lost in Transition: новая выставка в Wynwood Hotel

Выставка Lost in Transition в Wynwood Hotel играет с концепцией отеля как места, которое становится свидетелем внутренней трансформации и эмоционального обновления путешественника в новом городе. Впечатления напрямую связаны с обострёнными чувствами: «другое» пробуждает взгляд, который остро улавливает необычные детали, обостряет слух, настроенный на забытые мелодии. Все эти разрозненные образы, хаотично накопленные в течение дня, пересекаются в воображении и просачиваются в сны, смешиваясь с реальностью в первые мгновения после пробуждения. Мгновение до того, как память реконструирует события прошедшего дня и связывает их с настоящим, почти неуловимо — но оно задерживается, близкое к ощущению потерянности, к тому мимолётному моменту дезориентации.

Работы, представленные по всему отелю, отражают опыт художников в конкретные моменты созерцательного самовосприятия в окружающей среде. Серия Harvest Анатолия Акуэ проистекает из его изучения двух эзотерических систем — западной астрологии и древнекитайской БаЦзы — и их влияния на человеческую жизнь. В течение года художник анализировал жизненные события, интерпретировал их через эти мистические традиции и переводил полученные озарения и субъективное понимание в полуабстрактные композиции. Монохромные ландшафты Максима Ксуты из серии Тектоническая живопись словно возникают из универсального мистического ритма, приглашая зрителя взаимодействовать с ним через наблюдение световых отражений. Схожий эффект присутствует в работе Андрея Бергера, где он пишет акрилом на отражающем дорожном знаке с обозначением 100 м, видимом только под определённым углом света. Эта работа под названием Lost in Transition стала основой для концепции выставки, метафорически отсылая к скрытому жизненному пути, невидимому для беглого взгляда.

Объекты Евы Хелки и картины Миши Никатина работают как иронические загадки, собранные из повседневных предметов. Раскрывая поэзию обыденного, их образность проецируется на воспоминания зрителя, перестраиваясь как колода карт, разворачиваясь заново в разных умах.

Анка Ахалая, создавая свои абстрактные композиции, обращается к сюрреалистической технике автоматического письма, запечатлевая в своих работах мимолётные эмоциональные состояния. Иное впечатление — тяготеющее к постоянству и идее вечного возвращения — возникает в работах Ольги Аксёновой, где едва видимые фигуры мерцают в золотом свете, связанные таинственной общей встречей. На пересечении реальности и вымысла, в тихом размытии акварельных мазков, Артур Самофалов ищет точку стабильности в своей серии Обитаемые руины. Его неопределённые формы становятся аллегориями неопределённого знания — хаос затуманивает чёткие контуры объектов, вызывая тревогу.

Задача для каждого из нас — преодолеть стремление к жёсткой ясности и вместо этого принять созерцание — подход, который способствует внутренней трансформации и раскрывает новое видение мира. Даже самое небольшое путешествие изменяет ритм жизни, приподнимая завесу с наших глаз и позволяя осуществить переход, внутреннюю метаморфозу и формирование обновлённого диалога как с самим собой, так и с окружающим миром.

Алиса Прохорова


Lost in Transition: A New Exhibition at Wynwood Hotel

The Lost in Transition exhibition at Wynwood Hotel plays with the concept of a hotel as a place that bears witness to the inner transformation and emotional renewal of a traveler in a new city. Impressions are directly tied to heightened senses: the “other” awakens a gaze that keenly captures unusual details, sharpens hearing attuned to forgotten melodies. All these scattered images, accumulated chaotically throughout the day, intersect in the imagination and seep into dreams, blending with reality in the first moments after waking. The instant before memory reconstructs the events of the past day and threads them to the present is nearly imperceptible—yet it lingers, close to the sensation of being lost, to that fleeting moment of disorientation.

The works displayed throughout the hotel reflect artists’ experiences at specific moments of contemplative self-perception within their surroundings. Anatoly Akue’s Harvest series stems from his study of two esoteric systems—Western astrology and ancient Chinese BaZi—and their influence on human life. Over the course of a year, the artist analyzed life events, interpreted them through these mystical traditions, and translated the resulting insights and subjective understanding into semi-abstract compositions. Maxim Ksuta’s monochromatic landscapes from the Tectonic Painting series seem to emerge from a universal mystical rhythm, inviting the viewer to engage with it through the observation of light reflections. A similar effect is present in Andrey Berger’s work, where he paints with acrylic on a reflective road sign marked 100 m, visible only at a specific angle of light. This piece, titled Lost in Transition, became the foundation for the exhibition’s concept, metaphorically referring to the hidden path of life, unseen by the casual glance.

Eva Helki’s objects and Misha Nikatin’s paintings operate like ironic riddles, assembled from everyday items. By revealing the poetry of the mundane, their imagery projects onto the viewer’s memories, rearranging itself like a deck of cards, unfolding anew in different minds.

Anka Akhalaya, in creating her abstract compositions, turns to the surrealist technique of automatic writing, capturing fleeting emotional states in her works. A different impression—one that leans toward permanence and the idea of eternal return—emerges in Olga Aksyonova’s pieces, where barely visible figures shimmer in golden light, bound by a mysterious shared encounter. At the intersection of reality and fiction, in the quiet blur of watercolor strokes, Arthur Samofalov seeks a point of stability in his Inhabited Ruins series. His indistinct forms become allegories of uncertain knowledge—chaos obscures the clear contours of objects, evoking unease.

The challenge for each of us is to overcome the desire for rigid clarity and instead embrace contemplation—an approach that fosters inner transformation and reveals a new vision of the world. Even the smallest journey shifts the rhythm of life, lifting the veil from our eyes and allowing for transition, for inner metamorphosis, and for the formation of a renewed dialogue with both the self and the world around us.

Alisa Prokhorova

Architecture and Astronomy- “Archipelago of Utopias”

▪︎ Обсерватория Ориона. Максим Ксута. Холст, масло. 100 x 100 см.

Архитектура и астрономия

На выставке «Архипелаг утопий», которую еще можно посетить сегодня и завтра в галерее «КультПроект», представлен интригующий пример архитектурной живописи, вдохновленной архитектурными инсталляциями. Картина Максима Ксуты «Обсерватория Ориона» существует как самостоятельное произведение искусства, одновременно устанавливая связи с работой одного из пионеров ленд-арта — имя, которое кажется относительно неизвестным в нашей стране. Благодарность художнику за подробный рассказ об источнике его вдохновения и за создание медитативной живописи, реконструирующей архитектуру, связанную с космосом, убедительно передавая суть её материалов и окружения.

Максим Ксута: «Я создал эту работу под влиянием проектов Ханнсйорга Фота — известного немецкого художника и скульптора, родившегося в 1940 году в Баден-Бадене. Фот получил известность благодаря своим монументальным проектам ленд-арта, которые сочетают элементы архитектуры, скульптуры и символизма. В своих работах Фот стремится соединить человеческую культуру с природой, часто исследуя темы времени, пространства и космоса.

В 1960-х и 1970-х годах Фот активно изучал способы интеграции искусства в общественные пространства, создавая инсталляции, которые отвечали на вопросы о месте человечества в мире и его взаимодействии с окружающей средой. Однако подлинная слава пришла к нему с проектами, расположенными в отдаленных и суровых условиях, таких как пустыни Марокко, где он работал с природными материалами, такими как глина и песок.

Одним из самых известных проектов Фота является «Город Ориона» (1998–2003), расположенный в обширных пустынях Марокко. В этой работе Фот объединил свои интересы к астрономии, древним культурам и масштабным архитектурным формам. Его целью было не просто построить скульптурные объекты, но создать структуры, которые взаимодействуют с природой и космическими явлениями, такими как движение звезд. Проект «Город Ориона» отражает созвездие Ориона через башни, точно расположенные так, чтобы отразить размещение звезд на небе.

Город Ориона (1998–2003): Семь основных звезд Ориона — Ригель, Сайф, три звезды «пояса» Минтака, Альнитак и Альнилам, а также Беллатрикс и Бетельгейзе — наиболее заметны по всему миру в зимние месяцы из-за их расположения на небесном экваторе. Концепция проекта заключалась в том, чтобы представить эти семь звезд на Земле таким же количеством наблюдательных башен, сделанных из утрамбованной глины. Каждая башня символизирует одну из семи звезд, и их расположение в комплексе (приблизительно 40 x 100 метров) соответствует конфигурации созвездия. Размеры башен (от 6 до 15 метров в высоту, ширину и глубину) отражают яркость и размер звезд.

В верхней трети каждой башни были построены смотровые площадки, доступные через внешние лестницы. Узкие отверстия в стенах башен, тщательно рассчитанные по высоте, ширине и ориентации, позволяют наблюдать определенные звезды и созвездия в определенное время. Туманность Ориона (М42) — область звездообразования, окруженная обширными облаками газа — представлена в комплексе фонтаном, обозначающим группу звезд, известную как «меч» Ориона. Семь меньших звезд, формирующих части Ориона, такие как его «голова», также представлены дополнительными башнями из утрамбованной земли.

Город Ориона был расположен на юго-востоке Марокко. Экскурсии с гидом, длящиеся около 90 минут в определенное время, проводили посетителей через все башни, позволяя наблюдать звезды последовательно. Хотя семь больших башен служат астрономическими структурами, иллюстрирующими движение конкретных небесных тел через их позиционирование и ориентацию, основным намерением художника было изобразить созвездие Ориона в трех измерениях как масштабную скульптуру на Земле.*


Architecture and Astronomy

At the exhibition “Archipelago of Utopias”, which can still be visited today and tomorrow at the KultProekt gallery, there is an intriguing example of architectural painting inspired by architectural installations. Maxim Ksuta’s painting “Orion Observatory” stands as an independent piece of art while simultaneously drawing connections to the work of one of the pioneers of land art—a name that seems relatively unknown in our country. Thanks to the artist for the detailed story about his source of inspiration and for creating a meditative painting that reconstructs architecture connected to the cosmos while convincingly conveying the essence of its materials and environment.

Maxim Ksuta: “I created this piece under the influence of projects by Hannsjörg Voth—a renowned German artist and sculptor**,** born in 1940 in Baden-Baden. Voth gained fame for his monumental land art projects, which blend elements of architecture, sculpture, and symbolism. In his works, Voth seeks to bridge human culture with nature, often exploring themes of time, space, and the cosmos.

In the 1960s and 1970s, Voth actively investigated ways to integrate art into public spaces, creating installations that responded to questions about humanity’s place in the world and its interaction with the surrounding environment. However, his true fame came with projects located in remote and harsh settings, such as the deserts of Morocco, where he worked with natural materials like clay and sand.

One of Voth’s most famous projects is the “City of Orion” (1998–2003), located in the vast deserts of Morocco. In this work, Voth united his interests in astronomy, ancient cultures, and large-scale architectural forms. His aim was not merely to construct sculptural objects but to create structures that interact with nature and cosmic phenomena, such as the movement of stars. The City of Orion project reflects the Orion constellation through towers precisely positioned to mirror the stars’ placement in the sky.

City of Orion (1998–2003): The seven primary stars of Orion—Rigel, Saiph, the three “belt stars” Mintaka, Alnitak, and Alnilam, as well as Bellatrix and Betelgeuse—are most prominently visible worldwide during winter months due to their location on the celestial equator. The concept of the project was to represent these seven stars on Earth with the same number of observation towers made from compacted clay. Each tower symbolizes one of the seven stars, and their arrangement within the complex (approximately 40 x 100 meters) corresponds to the constellation’s layout. The towers’ dimensions (ranging from 6 to 15 meters in height, width, and depth) reflect the stars’ brightness and size.

In the upper third of each tower, observation platforms were constructed, accessible via external staircases. Narrow openings in the towers’ walls, carefully calculated for their height, width, and orientation, allow for the observation of specific stars and constellations at certain times. The Orion Nebula (M42)—a star-forming region surrounded by vast clouds of gas—is represented in the complex by a fountain, marking the grouping of stars known as Orion’s “sword.” Seven smaller stars forming parts of Orion, such as its “head,” are also represented by additional compacted-earth towers.

The City of Orion was located in southeastern Morocco. Guided tours, lasting about 90 minutes at specific times, led visitors through all the towers, allowing them to observe the stars in sequence. While the seven large towers serve as astronomical structures illustrating the movement of specific celestial bodies through their positioning and orientation, the artist’s primary intent was to depict the Orion constellation in three dimensions as a large-scale sculpture on Earth.*

▪︎ Orion Observatory. Maxim Ksuta. Canvas, oil. 100 x 100 cm.

https://t.me/archigraphicarts/1270

New group exhibition -“21days”

“21 день”, Галлерея Мосфильм Национальный Музей искусства и фотографии, Москва


“21 days”, Gallery at Mosfilm National Museum of Art and Photography, Moscow

Photo – Olga Seregina

“Weakness” – a new group exhibition

“Weakness” – a new group exhibition at the “Bomba” gallery space in the CCI Fabrika.

New group exhibition – “Summer plans”, Kovcheg gallery

Oil, hardboard, 2019

New solo exhibition – “I Can’t Remember”- KultProekt gallery CUBE, Moscow

“Не могу вспомнить”, галерея Культпроект, Куб, Москва

Вдохновение можно найти в самых неожиданных местах. Для меня оно пришло в виде цветных композиций, которые остаются на стенах и заборах после того, как анонимные маляры, работающие на коммунальные службы, закрашивают нежелательный граффити.

Вместо того чтобы полностью стереть следы уличного искусства, они всегда оставляют странные пятна, которые иногда напоминают пейзажи. Это явление заставило меня задуматься о природе памяти — её неустойчивости, хрупкости и абстрактности.

В своих работах я попытался воплотить эту идею визуально, создавая абстрактные образы, которые вызывают ощущение узнавания, но при этом оставляют пространство для свободной интерпретации. Каждая картина — это сочетание размытых форм и цветов, которые могут напоминать что-то знакомое, но так и не становятся полностью различимыми.

Работая с фактурой и многослойной живописью, я стремился передать сложность процесса воспоминания. Ведь эти картины — не точное изображение конкретного момента или места, а скорее абстрактное отражение состояния сознания в момент попытки вспомнить что-то утраченное. Зрителю предоставляется полная свобода индивидуальной интерпретации.

Видео, представленное на выставке, — это слайд-шоу из моих фотографий, загруженных в социальную сеть Instagram за последние 12 лет (сеть сейчас запрещена в России). Каждый кадр из этого фотоархива становится звеном во времени и мелькает так быстро, что невозможно разглядеть все детали. Этот эффект очень похож на то, как наша память иногда искажает и неточно воспроизводит старые моменты.


Inspiration can be found in the most unexpected places. For me, it came from the colorful compositions left on walls and fences after municipal workers paint over graffiti deemed undesirable by the city authorities.

Instead of completely erasing the traces of street art, they often leave behind strange, blurred stains — sometimes resembling mysterious landscapes. This phenomenon made me reflect on the nature of memory: its fragility, instability, and abstract quality.

In my works, I have tried to visually embody this idea by creating abstract images that evoke a sense of familiarity while remaining open to interpretation. Each painting consists of blurred shapes and colors that seem to hint at something recognizable, yet never fully reveal themselves.

Through working with texture and multiple layers of paint, I sought to convey the complex and elusive process of remembering. These paintings are not precise depictions of a specific moment or place, but rather abstract reflections of the mind’s state while trying to recall something lost. The viewer is invited to interpret them freely.

The video presented at the exhibition is a slideshow of photographs I uploaded to Instagram over the past 12 years (a social network now banned in Russia). Each frame from this personal archive flashes by so quickly that it is impossible to catch all the details. This effect mirrors how our memory often distorts and inaccurately reconstructs past moments.

New group exhibition”Archipelago of dreams” – Victoria Gallery

“Archipelago of dreams” – Victoria Gallery in ZIM Gallery, Samara. Curator: Sergey Guskov.

New group exhibition-“Archipelago of dreams”, SMENA, Kazan

Installation view